Ormai sono due mesi che lo uso e non voglio tornare indietro… ma facciamo un passo indietro.

La prima cosa da dire è che Scrivener non è immediato. Non è il classico programma che apri e sai già usare. Anzi, all’inizio può risultare quasi respingente: interfaccia piena di opzioni, menu ovunque, e una sensazione generale di “sto facendo qualcosa di troppo complicato”.

A complicare le cose c’è anche un altro problema: la traduzione italiana.

Non è delle migliori. Alcuni termini sono poco chiari, altri suonano innaturali,altri vengono lasciati in inglese e in certi casi rendono più difficile capire cosa stai effettivamente facendo. E alla fine si passa all’inglese. Non è necessariamente un male, ma è bene saperlo prima. Usare Scrivener significa anche abituarsi alla terminologia inglese (binder, compile, draft…) soprattutto se vuoi davvero sfruttarlo al massimo.

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Il punto più critico, per me, è stato capire le esportazioni (o meglio, il “Compile”).
All’inizio è frustrante: vuoi semplicemente esportare un file e invece ti ritrovi davanti a decine di impostazioni diverse. Font, formati, struttura… tutto è personalizzabile, ma proprio tutto. E questo è sia il suo più grande pregio che il suo più grande difetto.

Una volta che capisci come funziona, puoi davvero ottenere qualsiasi tipo di output. Documento Word, PDF pronto per la stampa, formattazioni diverse a seconda delle esigenze. Ma per arrivarci devi investire tempo e, soprattutto, pazienza.

Per quanto riguarda la scrittura narrativa, però, è difficile trovare di meglio.

Scrivener è perfetto per organizzare un romanzo: capitoli separati, scene, appunti, schede personaggi, worldbuilding… tutto nello stesso progetto. È uno di quei programmi che ti fanno sentire di avere finalmente il controllo del caos.

Se sei uno scrittore “medio” (nel senso buono del termine: qualcuno che vuole scrivere storie, non impaginare manualmente ogni dettaglio), è praticamente ideale per la fase di stesura e organizzazione.

Diverso il discorso per l’università o la scrittura più “tecnica”.

Io ho provato a usarlo anche per lo studio, ma qui emergono i limiti: Scrivener non è pensato per linguaggi come il Markdown o per la scrittura matematica (tipo formule in stile LaTeX). Si può adattare, ma non è il suo terreno naturale. Quindi per saggi semplici può andare bene ma per testi più scientifici o pieni di formule diventa scomodo. Non è impossibile usarlo, ma richiede più fatica rispetto ad altri strumenti pensati apposta.

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Un’altra cosa importante: Scrivener premia la curiosità.
Se ti piace smanettare, provare, capire come funzionano le cose, allora ti darà tantissimo.
Se invece cerchi qualcosa di immediato e pronto all’uso, potresti trovarti in difficoltà.

Per chi non ha voglia di leggere un muro di testo, riassumiamo…

Scrivener è perfetto per:

• romanzi

• organizzazione di progetti complessi

• scrittori che vogliono controllo e struttura

Ma è meno adatto per:

• scrittura accademica avanzata

• formule matematiche o scientifiche

• chi non ha voglia di “imparare” il programma

Lo ricomprerei? Sì. Senza pensarci due volte. Ma solo perché ho deciso di investirci tempo.

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A presto!
-Erika

Nella scrittura, il tre rappresenta la soglia minima per creare una progressione. È il momento in cui un elenco smette di essere un semplice accostamento e diventa una narrazione. Se dici “rosso e nero”, stai creando un contrasto. Se dici “rosso, nero e bianco”, stai definendo una tavolozza completa.1

Il Potere della Sintesi: Cesare e il tricolon asindetico

Se dovessimo eleggere un “ambasciatore” storico della Regola del 3, non potremmo che citare Giulio Cesare. Nel 47 a.C., dopo la vittoria contro Farnace II nel Ponto, inviò al Senato romano un messaggio che sarebbe rimasto scolpito nella storia:

“Veni, Vidi, Vici.”

• Sintesi Estrema: Tre verbi ma un unico ritmo.

• Progressione Logica: Arrivo, osservazione, vittoria.

• Autorità: L’assenza di congiunzioni trasmette un senso di ineluttabilità e velocità.

Se Cesare avesse scritto “Sono arrivato, ho guardato la situazione e alla fine abbiamo vinto”, oggi non lo ricorderemmo. La ergola del 3 trasforma un resoconto di guerra in un’icona del potere. Quando scrivi chiediti: sto usando troppe parole per dire qualcosa che una “triade” di verbi forti potrebbe scolpire nella loro memoria?

A me, per esempio, dicono che spiego troppo. E voi?

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La Struttura Narrativa: L’Inizio, il Centro, la Fine

Ogni storia degna di nota si poggia sul tre. Aristotele lo aveva capito tempo fa nella sua Poetica: ogni intero deve avere un inizio, una metà e una fine.

• L’Atto I (L’Esposizione): Presenti il mondo e rompi l’equilibrio.

• L’Atto II (Il Conflitto): Introduci l’ostacolo e alzi la posta in gioco.

• L’Atto III (La Risoluzione): Sciogli i nodi e offri una catarsi.

Anche in un semplice tip di scrittura o in una caption di Instagram, questa struttura garantisce che il messaggio venga “digerito” completamente.

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La Tecnica del “2+1 bonus”

Questa è la parte più avanzata della regola. Il tre non serve solo a dare armonia, serve anche a creare sorpresa. Il pattern funziona così:

1. Elemento 1: Stabilisci la direzione.

2. Elemento 2: Confermi la direzione (il cervello si rilassa, pensa di aver capito il gioco).

3. Elemento 3: Spezzi la direzione con qualcosa di inaspettato.

Esempio: “Per essere un bravo scrittore servono un taccuino, una penna e la capacità di ignorare le notifiche di Instagram.” I primi due sono attesi, il terzo è il “gancio” che connette l’autore al lettore attraverso l’ironia. Senza i primi due, la battuta finale non funzionerebbe.

Il Ritmo nella Sintassi

Scrivere è come comporre musica.
Se usiamo sempre frasi della stessa lunghezza, creiamo un rumore che spinge il lettore ad abbandonare la pagina. La Regola del 3 può essere applicata alla macro-struttura del paragrafo:

• Una frase breve per colpire.

• Una frase media che espande il concetto e crea corpo.

• Una frase lunga e articolata che esplode in una spiegazione dettagliata, portando il lettore per mano fino al punto finale.

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Se usata nel modo giusto può funzionare e da un effetto piacevole all’occhio (e alla mente del lettore che comprende meglio cosa volete dire).

Prova d’esercitazione

Prendi l’ultimo paragrafo che hai scritto per il tuo progetto attuale. Cerca una descrizione o una lista di concetti.

• Se sono due elementi, aggiungine un terzo per dare completezza.

• Se sono quattro o più, seleziona i tre più forti e taglia il resto.

Non a tutti piace questa tecnica, e bisogna saperla padroneggiare per poterla utilizzare al meglio, però la trovo efficace ed efficiente in molti casi (scegliendo quelli giusti senza esagerare).

Noi ci troviamo sempre qui settimana prossima!
A presto!
-Erika

Spesso la risposta è “dove capita”, ma in realtà il software che scegli dovrebbe essere un ufficio, la scrivania e, a volte, il peggior nemico. Niente scuse del tipo “non trovo l’app giusta”: ecco una modestissima mappa per orientarsi nel 2026.

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Per chi vuole essere ovunque

Se inizi una frase sul bus e la finisci alla scrivania, hai bisogno di sincronizzazione totale.

• Google Docs: Il porto sicuro. È gratis, è ovunque. Perfetto per le prime bozze o se lavori a più mani. Cosa penso io? Sicuramente è il più sincronizzabile, ma personalmente la versione mobile a volte è scomoda. Utile se non hai grafiche complicate da gestire.

• Microsoft Word: Il “male” necessario. Se devi mandare un file a un editore, il formato .docx è la legge per la correzione di bozze (anche se a volte accettano i .pdf). Cosa penso io? Trovo comodo poterlo sincronizzare con Google Drive e Docs ed è la funzione che uso di più. Ma anche questo ha gli stessi difetti di Google Docs, seppure più gestibili. A mio avviso funziona meglio, ma sono molto simili.

• Obsidian: Il mio preferito per chi ama il caos organizzato. Non è tanto comodo per scrivere, quanto per organizzare world building/personaggi. Per scrivere le bozze non lo consiglio per il formato (.md invece di .docs/.pdf). Per un professionista il Markdown è una manna per l’esportazione pulita, ma appunto richiede la professionalità. In generale l’ho trovato molto versatile, ma non utile per le bozze finali.

• Notion: Molto simile a Obsidian per certi versi. Io lo trovo comodo per altro, ma ci sarebbe da farci un contenuto a parte perché ha troppe funzioni. Utile magari per le bozze/organizzazione, ma per la stesura uffuciale non va bene.

Esistono anche diversi siti, ma ne ho provati troppi pochi per farci un resoconto dettagliato.

Android

Per chi usa il tablet o scrive nei ritagli di tempo sullo smartphone. Ho fatto un po’ di ricerche e ho trovato due applicazioni che potrebbero fare al caso vostro. Se li usate fatemi sapere cosa ne pensate!

• JotterPad: Interfaccia pulita, supporto per il formato font e sceneggiatura. È l’app che trasforma il tuo tablet in una macchina da scrivere professionale.

• Writer Plus: Minimalismo puro.

Windows

Se la tua postazione fissa è un PC, andrei su questi.

• Scrivener: Il re indiscusso. Ti permette di gestire capitoli, ricerche, schede personaggi e bozze nello stesso progetto. Se stai scrivendo una trilogia, Scrivener è il tuo migliore amico. La cosa negativa è il costo. 70 euro per qualcosa che si può avere gratis con altri software non tutti sono disposti a spenderli.

• FocusWriter: Quando le notifiche di Windows iniziano a dar fastidio, questa app nasconde tutto tranne il foglio bianco.

iPhone/Mac

L’ecosistema Apple offre strumenti che sono gioie per gli occhi (e per la produttività).

• Pages: Spesso sottovalutato perché gratuito, ma è fluido ed elegante. Ideale per chi vuole che la pagina sia bella già mentre la scrive. L’ho utilizzato alle superiori e non è male. Non lo usavo tanto (e probabilmente male), ma è molto simile a Word.

• Ulysses: Probabilmente l’esperienza di scrittura più raffinata su Mac. Gestisce tutto in Markdown, come obsidian, e ti permette di pubblicare direttamente su WordPress o Medium.

• Bear: Per chi scrive pensieri brevi o poesie. I tag sono il suo punto di forza.

Cosa consiglio io?

Adesso mi sto trovando bene con Word, ma conoscendomi dopodomani mi troverete a scrivere su Scriverer o Notion. In generale non perdete troppo tempo a scegliere l’app perfetta. Divertievi a sperimentare solo che vi interessa farlo.
La migliore app è quella che apri e che ti fa venire voglia di battere sui tasti.

Voi cosa usate? Siete del team “Minimalismo totale” o “Voglio mille funzioni”? Rispondetemi alla mail e ne parliamo! Vi leggo tutti!

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Noi ci sentiamo settimana prossima con un’intervista speciale! A presto.

-Erika

Molti autori confondono questa fase con la revisione editoriale o, peggio, con la ricerca di approvazione. Ma il beta reading non è nessuna delle due cose. È un collaudo tecnico. È il crash test prima di lanciare l’auto in autostrada.

Chi sono (e chi non sono) i Beta Reader?

Il primo errore che commettiamo è mandare il file alla mamma, al migliore amico o al partner. Non perché non siano persone intelligenti, ma perché vi vogliono bene. Il loro giudizio sarà sempre inquinato dall’affetto: o saranno troppo buoni per non ferirvi, o saranno prevenuti perché conoscono la vostra storia personale.

Un buon Beta Reader deve avere tre caratteristiche fondamentali:

1. Deve essere un lettore forte del tuo genere: Se scrivi un thriller psicologico, non darlo in mano a chi legge solo saggi storici. Non capirebbe i trope, i ritmi e le aspettative del tuo pubblico di riferimento.

2. Deve essere onesto fino alla crudeltà (gentile): Hai bisogno di qualcuno che ti dica “qui mi sono annoiato” o “questo dialogo suona finto”.

3. Deve saper argomentare: Un “non mi piace” è inutile. Un “non mi piace perché il protagonista compie un’azione incoerente con quanto detto nel capitolo due” è un tesoro.

Il mio consiglio: cerca 3 o 5 persone. Un numero dispari aiuta a risolvere i dubbi quando i pareri sono contrastanti.

Preparare il “Manuale d’Istruzioni”

Non potete lanciare il vostro PDF nel vuoto e sperare che torni indietro con le note giuste. Per ottenere il massimo dai vostri lettori, dovete guidarli. Come? Creando un piccolo questionario di lettura.

Dividete il feedback in macro-aree. Ecco cosa dovreste chiedere:

• Il Ritmo: Ci sono punti in cui la narrazione rallenta troppo? Hai avuto la tentazione di saltare delle pagine?

• I Personaggi: Ti sei sentito connesso con il protagonista? Quale personaggio ti è sembrato superfluo o poco caratterizzato?

• La Trama: Il finale è soddisfacente? Ci sono “buchi” logici che non tornano?

• L’Ambientazione: Riuscivi a visualizzare i luoghi? Erano troppo descritti o troppo poco?

Dare una struttura ai commenti aiuta il beta reader a non sentirsi sopraffatto e garantisce a voi di ricevere risposte su ciò che vi preme davvero correggere.

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L’impatto con il feedback: La Regola delle 48 ore

Arriva l’email. Apri il file e vedi i commenti a margine. Il cuore accelera. Leggi una nota: “Questo capitolo è confuso, non si capisce chi sta parlando”. La tua prima reazione sarà difensiva: “Ma come? È chiarissimo! Se non lo capisci è perché non sei stato attento!”.

La regola d’oro è: non rispondere mai a caldo. Chiudi il file, spegni il computer e vai a farti una camminata. Lascia che il feedback “decanti” per almeno 48 ore. Quando l’emozione iniziale (spesso un misto di frustrazione e vulnerabilità) si sarà placata, rileggi il commento. Ti accorgerai che, se il lettore si è confuso, la colpa non è della sua distrazione, ma della tua scrittura che non è stata abbastanza incisiva.

Se devi spiegare a voce una scena a un beta reader, significa che quella scena non funziona sulla carta. E il lettore finale non avrà te seduto accanto sul divano a spiegargli cosa intendessi dire.

Filtrare i consigli: tu sei il capitano della Tua nave

Accettare i feedback non significa riscrivere il libro seguendo ogni capriccio dei lettori. Se lo facessi, otterresti un mostro di Frankenstein senza anima.

Esistono due tipi di feedback:

• Feedback Oggettivi/Tecnici: Errori di logica, incongruenze temporali, cali di ritmo evidenti. Questi vanno ascoltati quasi sempre.

• Feedback Soggettivi: “Preferirei che il protagonista fosse più simpatico”. Qui devi decidere tu. Se il tuo obiettivo era creare un personaggio respingente e il lettore lo trova antipatico, allora hai fatto centro!

Cerca i pattern. Se un solo beta reader dice che la fine è troppo veloce, può essere un parere isolato. Se lo dicono tutti e tre, allora hai un problema strutturale che va risolto assolutamente.

Il valore del “No”

Imparare a dire di no a un suggerimento è importante quanto imparare a dire di sì. Il beta reader ti offre una prospettiva, ma la visione finale è la tua. Il segreto è capire perché hanno fatto quel commento.

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I beta reader sono lì per aiutarti a renderlo solido abbastanza da resistere alla prova del tempo e del mercato. Trattali bene, ringraziali (magari citandoli nei ringraziamenti ufficiali) e, soprattutto, impara a guardare il tuo testo con i loro occhi. Solo così passerai dall’essere uno che scrive all’essere un Autore.

Cosa ne pensate di questo approccio? Avete già avuto esperienze con i beta reader o l’idea vi terrorizza ancora? Rispondetemi nei commenti o via email, mi piacerebbe conoscere le vostre storie di “sopravvivenza editoriale”.

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Noi ci vediamo tra due settimane con la prossima tips e settimana prossima con un’intervista ad un nuovo scrittore. Grazie per supportarmi sempre.

-Erika

“Hello. Today I want to talk about something very important. I want to talk about writing. Yes, writing. Writing is not just words on paper. It is more than letters and sentences. It is a way to understand life and express what is inside us. Sometimes we carry many feelings inside us. We feel happy, sad, afraid, or confused. We want to talk, but we do not know how. Writing helps us speak when our voice is silent and makes our heart lighter. You do not need to be perfect to write. You do not need big words. Simple and honest words can be strong. One sentence can change a thought, and one page can change a day. Writing helps us understand ourselves. When we write, we think and grow. Writing can heal pain and bring peace. It is a safe place where we can be ourselves. Write when you are tired or happy. Write about your dreams, fears, and small moments. Every word you write adds meaning to your life.”

Per chi avesse difficoltà con l’inglese, metto la versione tradotta.

”Oggi voglio parlare di qualcosa di molto importante. Voglio parlare della scrittura. Sì, scrittura. Scrivere non è solo mettere parole su un foglio. È molto più di lettere e frasi. È un modo per comprendere la vita ed esprimere ciò che abbiamo dentro. A volte portiamo dentro di noi molte emozioni. Ci sentiamo felici, tristi, spaventati o confusi. Vorremmo parlare, ma non sappiamo come fare. La scrittura ci aiuta a parlare quando la nostra voce è silenziosa e rende il cuore più leggero. Non devi essere perfetto per scrivere. Non servono parole grandi. Parole semplici e sincere possono essere forti. Una frase può cambiare un pensiero, e una pagina può cambiare una giornata. Scrivere ci aiuta a capire chi siamo. Quando scriviamo, pensiamo e cresciamo. La scrittura può guarire il dolore e portare pace. È un luogo sicuro in cui possiamo essere noi stessi. Scrivi quando sei stanco o felice. Scrivi dei tuoi sogni, delle tue paure e dei piccoli momenti. Ogni parola che scrivi aggiunge significato alla tua vita.”

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Mi ritrovo molto nelle parole di questo post e tengo a esporvi il mio pensiero.

Scrivere tanti lo vedono come un modo bizzarro di sfogarsi. Chi non lo prova lo descrive come “un metodo come gli altri per buttare giù pensieri che poi restano lì”.

Ma in realtà non penso sia così. Io personalmente scrivo per diversi motivi. Le raccolte di poesie o i flussi di coscienza spesso vengono da effettivi sfogi o pensieri personali. Magari un po’ ingigantiti o scritti con chiave poetica. I romanzi o i racconti brevi non hanno quest’utilità.

Per me scrivere un manoscritto da 200/300 pagine serve a molto più che sfogarsi. Lasciare un messaggio al mondo, lanciare proiettili di verità sotto forma di lettere. Serve a me, per mettere giù ciò che provo o penso, e agli altri, per imparare dagli errori dei personaggi. Banalmente anche solo saper fare scelte in base alle conseguenze che hanno avuto.

Il post sopra probabilmente intendeva lo scrivere flussi di coscienza, ma credo che ci sia molto di più.

Intervistando scrittori da tutta Italia ho potuto vedere che ognuno ha i suoi motivi per buttare giù le idee e formarci un’opera letteraria. C’è chi vuole Dare vita a un mondo che hai dentro. Chi lo fa perchè Mi piace raccontare, costruire i personaggi. Ognuno ha i suoi motivi, assolutamente rispettabili, e nessuno può toglierteli.

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Questo era il mio pensiero a riguardo. Voi cosa ne pensate? Noi ci salutiamo e ci vediamo settimana prossima con l’intervista di un’amica di Jack Solo. A presto!

-Erika

Con il tempo, sto imparando a capire che un libro non deve per forza accompagnarti fino all’ultima pagina. Anche chiuderne uno può essere utile. Il fatto che non ti sta parlando più è una risposta.

Quando non finisci un libro, stai dicendo qualcosa su di te. Sul periodo che stai attraversando, sulle energie che hai, su quello che in quel momento riesci, o non riesci, a sostenere. Ci sono libri che chiedono una presenza che non puoi dare. Magari arrivano nel momento sbagliato, non è giunto il loro momento.

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Interrompere una lettura non è sempre un addio

Molti libri non finiscono, ma aspettano. Diventano promesse non mantenute, finché un giorno non li riprendi e ti sembrano completamente diversi. E loro sono sempre uguali.

Non tutte le storie sono fatte per noi in ogni fase della vita. Anzi, di solito ogni racconto ha il suo momento nella vita per funzionare.

Un esempio è la mia raccolta Biografia di amori imprudenti. L’ho scritta immaginando un pubblico giovane, adolescente. Probabilmente un lettore di 30,40 o 70 anni non la apprezzerebbe allo stesso modo. Non sarebbe il suo momento.

Cosa può insegnare una storia lasciata a metà

Un libro lasciato a metà ti insegna che tipo di lettore sei diventato, quali temi non ti rispecchiano (stesso discorso può valere per il genere o i trope), che ritmo ti stanca e quale invece ti tiene vivo.

E se scrivi, ti insegna anche dove una storia può perdere il lettore. Dove l’attenzione cala. Dove l’urgenza si spegne. E impari anon commettere gli stessi errori. Un libro che non ti convince insegna di più del romanzo perfetto.

La mia esperienza personale

Per molto tempo ho vissuto i libri non finiti come una colpa. Poca costanza, poca pazienza, poca serietà. Poi ho iniziato a guardarli meglio. Continuare una lettura solo per principio è spesso meno onesto che fermarsi. Da quando ho smesso di forzarmi, leggo meglio. E, in un certo senso, scrivo anche meglio.

Un esempio di libro che non mi ha convinto è Yellowface. Sto leggendo la saga de La guerra dei papaveri, ma nonostante sia la stessa scrittrice la musica cambia totalmente. Nel primo trovavo continuamente errori stilistici, ortografici e grammaticali. Nel secondo c’è stata una cura al dettaglio più rilevante. Probabilmente, quasi sicuramente, non è colpa della scrittrice quanto svista dei correttori di bozze o editor, (il libro originale è in inglese, gli errori di ortografia non poteva fari in un’altra lingua), però mi ha permesso di imparare ugualmente. Ed è questa secondo me la forza dei libri “abbandonati”.

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Oggi ho deciso di trattare un argomento forse un po’ corto, ma degno di nota. Troppo spesso sui social vengono fatte somme e calcoli dei libri letti o non letti durante un determinato periodo di tempo. A lungo andare diventa stressante per il lettore medio, quello che magari fatica ad arrivare a tre libri al mese per intenderci.

Noi ci rivediamo qui tra due settimane. A presto!

-Erika

Inizia molto prima: nel modo in cui ti prepari, in come lasci andare ciò che stavi facendo prima, nel tempo che ti concedi per atterrare.

Playlist, rituali e routine non sono superstizioni da scrittori eccentrici: sono strumenti di transizione.
Piccoli gesti che aiutano a spostarsi da persona che vive a persona che scrive.

E ovviamente non funzionano allo stesso modo per tutti.

La playlist: creare uno spazio mentale

La musica non serve solo a “fare compagnia”. Serve a costruire un’atmosfera coerente, una bolla emotiva dentro cui le parole possono muoversi più liberamente.

C’è chi scrive solo in silenzio e chi non riesce senza una colonna sonora precisa.
Alcuni scelgono musica strumentale per non essere distratti, altri associano un genere o un artista a un progetto specifico.
C’è chi ascolta sempre la stessa playlist e chi la cambia in base all’umore o alla scena da scrivere.

La cosa interessante è questa:
quando ascolti spesso la stessa musica mentre scrivi, il cervello impara ad associare quei suoni a uno stato di concentrazione.
Diventano una scorciatoia emotiva, un interruttore invisibile.

Non è tanto la musica in sé a fare la differenza, quanto la ripetizione.
Quel riconoscere un suono e pensare, anche inconsciamente: ok, adesso si scrive.

L’abitudine della musica, della candela, dei rituali servono a prendere coscienza di star iniziando a scrivere.

La mia esperienza
Io non ho playlist per il singolo manoscritto che ho intenzione di pubblicare. La musica mi aiuta e, anzi, mi ispira. Non so scrivere senza avere le orecchie occupate :D.

I rituali: piccoli gesti che contano

Un rituale non deve essere complicato. Anzi, più è semplice, più funziona.

Può essere:

• preparare una tazza di tè o caffè

• accendere una candela

• aprire sempre lo stesso documento

• sistemare la scrivania

• scrivere una frase a mano prima di iniziare

Il rituale serve a creare continuità, soprattutto nei giorni in cui la motivazione è bassa. C’è qualcosa di rassicurante nel ripetere sempre lo stesso inizio. Ti ricorda che non devi inventare tutto da capo, ogni volta. È ripetizione consapevole e, col tempo, diventa un segnale chiaro per il cervello: questo è tempo di scrittura. Non so come spiegarlo, ma fare certe cose (soprattutto se di sera/mattina presto) mi da proprio senso di “entrare in modalità scrittura”.

La mia esperienza
Normalmente quasi tutte le cose che ho detto sopra le faccio prima di iniziare una sessione. Tranne sistemare, o mantengo il caos che c’è oppure sono troppo ordinata per avere qualcosa da ripulire. No vie di mezzo. Il té caldo, o una bitiba fresca, è d’obbligo! La frase a mano di solito è nell’agenda: segno cosa voglio fare e per quanto tempo. Poi apro google calendar, word (con il documento chiamato acronimo_PS) e si inizia.
Personalmente non sono cose che faccio sempre, soprattutto quando magari ho poco tempo o ho la giornata piena. Però a me aiuta.

Le routine: scrivere diventa sostenibile

La parola “routine” spaventa molti scrittori perché sembra togliere libertà.
Sembra suggerire rigidità, obblighi, perdita di spontaneità. In realtà, una buona routine protegge la scrittura.

Routine non significa:

• scrivere ogni giorno per tre ore

• avere orari perfetti

• essere produttivi a ogni sessione

Molti scrivono tutti i giorni, ma in realtà è molto soggettivo. Io nel mio periodo creativo arrivo a fare anche due sessioni in un giorno, nonostante siano magari corte, mentre nei periodi di blocco non scrivo per settimane! In realtà avere routine vuol dire sapere quando e in che condizioni scrivere è più facile per te.

Anche solo:

• stessa ora

• stesso posto

• stesso approccio iniziale

La routine riduce la fatica decisionale. E meno decisioni devi prendere, più energie restano per le parole. Scrivere diventa meno una lotta e più un appuntamento.

La mia esperienza
Come dicevo prima, scrivo soprattutto di sera o mattina presto. Mi piace dormire fino a tardi, quindi se posso permettermelo scrivo la sera. Oltre a questo non ho grandi processi: ho voglia di scrivere e scrivo. Poi magari preparo il té e accendo una candela, ma tutto ciò che anticipavo raramente lo faccio insieme.

E se non funziona?

Ci saranno giorni in cui:

• la playlist dà fastidio

• il rituale sembra vuoto

• la routine non regge

Gli strumenti servono quando aiutano, non quando diventano un’altra forma di pressione. Non sono regole da seguire. Scrivere non è sempre entrare nel mood giusto.
A volte è scrivere nonostante il mood sbagliato.
Io ad esempio scrivo scene in cui i personaggi sono felici, anche se mi sento triste. Ma di questo ne parleremo un altro giorno. Comunque va bene così. Non dev’essere legge (se no è stressante). Dovrebbe servire a rilassare invece.

Questa settimana prova una cosa sola:
scegli un gesto, ripetilo ogni volta prima di scrivere e osserva cosa cambia.

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Playlist, rituali e routine non rendono uno scrittore migliore, ma Rendono la scrittura più accessibile, più gentile e più possibile. E spesso, è tutto ciò che serve.

Se ti va, rispondi a questa mail e raccontami:
hai una playlist, un rituale o una routine che ti aiuta a scrivere?

Io sono Erika, e questa era una nuova mail da parte di Tips d’Autore, di The Draft! Ci vediamo settimana prossima con una nuova intervista. A presto!

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Molti lo considerano un passatempo creativo, quasi un vezzo estetico — quaderni belli, penne speciali, rituali da film indie.
In realtà il journaling è uno degli strumenti più potenti per chi vive di narrazioni.
È un laboratorio privato, un terreno di prova, una stanza dove puoi scrivere male, benissimo, o in modo caotico, senza nessuno che osserva.

Il journaling come fondamento della voce narrativa

Ogni scrittore ha una voce interiore, ma non sempre la riconosce.
Quando lavori a un romanzo, senti la pressione della coerenza, della qualità, della struttura.
Il journaling ti libera da tutto questo: ti concede un luogo in cui puoi essere autentica, persino disordinata.

Quando scrivi senza aspettative:

• emergono parole che non pensavi di avere,

• si rivelano paure e desideri sotterranei,

• capisci quali temi ti ossessionano davvero.

Tutto ciò non rimane “solo tuo”: lentamente ricompare nei personaggi, nelle scelte stilistiche, nei conflitti narrativi.

Tre forme di journaling che cambiano il modo di scrivere

Journaling emotivo

È il più istintivo, quello che fai quando ti senti agitata, confusa o sovraccarica.
Gli scrittori, spesso, hanno il problema opposto: comprano taccuini, ma non vi mettono mai le emozioni reali.
Eppure sono proprio quelle che danno sostanza alla narrativa.

Scrivere su ciò che provi:

• ti permette di riconoscere pattern emotivi che si riflettono nelle tue storie;

• allena l’empatia con i personaggi;

• ti aiuta a capire perché certe scene ti arrivano più di altre.

Il lettore percepisce quando un personaggio è costruito a tavolino e quando nasce da un’emozione autentica.

Journaling creativo

Qui il tono cambia: diventa un taccuino d’appunti narrativi, una scatola magica.
Molti autori credono che le idee “arrivino” e basta. In realtà arrivano, sì — e poi scompaiono se non le catturi.

In questo tipo di journaling puoi:

• scrivere scene lampo,

• appuntare dialoghi sentiti per strada,

• descrivere immagini che ti colpiscono,

• annotare episodi quotidiani che potrebbero ispirare un capitolo.

Il journaling creativo trasforma il mondo in materiale narrativo.

Journaling tecnico (o di processo)

È il più sottovalutato, ma forse il più utile per chi sta lavorando a un libro.

Qui puoi annotare:

• cosa ha funzionato nella sessione di scrittura,

• cosa ti ha bloccato,

• quali strumenti o ritmi ti hanno aiutato,

• quali obiettivi vuoi darti per la prossima volta.

Serve per riconoscere in modo oggettivo come scrivi meglio.
È un feedback continuo su te stessa, che a lungo andare rende il processo meno faticoso e più lucido.

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Perché il journaling sblocca la mente

Quando scrivi un romanzo, accumuli dentro di te tensione narrativa: dubbi, domande, idee incerte, scene da decidere.
Se rimangono tutte nella testa, diventano confusione.
Il journaling è come aprire una finestra.

Ti chiarisce i nodi

Scrivere a mano le domande (“Perché questo personaggio mente?”, “Cosa nasconde questa scena?”) ti aiuta a vedere meglio il problema.

Riduce l’ansia da pagina bianca

Non inizi da zero: arrivi alla sessione di scrittura “calda”, già con la mente attiva.

Moltiplica le idee

Più scrivi liberamente, più i collegamenti emergono.
È come allenare un muscolo creativo: ogni giorno diventa più reattivo.

Come iniziare se sei convinta di non avere tempo

Il mito dei 30 minuti di journaling perfetti, con luce soffusa e silenzio totale, è appunto… un mito. La verità è che basta pochissimo.

Ecco quattro versioni sostenibili e fattibili per la vita piena:

• Il journaling da un minuto
Scrivi una frase per descrivere la tua energia creativa.
Funziona come un termometro emotivo.

• Il journaling da pendolare
Sul telefono, tra una fermata e l’altra: due righe su ciò che ti gira in testa.

• Il journaling rituale
Dieci minuti all’inizio della sessione di scrittura per “sgrossare” i pensieri.

• Il journaling serale
Una pagina per chiudere il giorno e aprire spazio per il domani.

Per questo percorso è necessaria solo la continuità. Niente scadenze o obblighi, perché sarebbe controproducente.

Cosa cambia davvero dopo qualche settimana

Il journaling non trasforma solo la tua scrittura: trasforma te, che scrivi. Dopo un po’ potresti notare:

• più chiarezza mentale,

• meno autocritica mentre scrivi,

• una voce più solida e riconoscibile,

• una capacità nuova di percepire i conflitti dei personaggi,

• un coraggio maggiore nel toccare temi delicati.

E, soprattutto, un miglioramento invisibile ma fondamentale: diventi più onesta con te stessa.
Questo si traduce immediatamente in personaggi più veri e in una narrazione più potente.

Il journaling come archivio segreto di un romanzo

Molti scrittori non lo sanno, ma il journaling è una miniera di retroscena. Puoi usarlo per:

• esplorare il passato dei personaggi,

• provare versioni alternative di una scena,

• raccogliere dettagli che forse non finiranno mai nel libro, ma renderanno la storia più viva nella tua mente,

• interrogare i personaggi direttamente (“Che cosa vuoi veramente?”),

• annotare intuizioni improvvise che spiegano i punti ciechi della trama.

Quando riguardi questi appunti settimane dopo, scopri che il tuo romanzo ha parlato con te, attraverso il journaling.

Facendo un passo indietro..

Il journaling è una pratica di cura verso la tua voce creativa: un luogo dove puoi sbagliare, crollare, ricostruire, cambiare idea, ritrovarti. Serve ma non è necessario. Scrivere richiede coraggio. Il journaling ti aiuta a costruirlo, giorno dopo giorno.

È una forma di verità privata che, paradossalmente, rende più forti le storie che scegli di rendere pubbliche.

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Noi ci sentiamo tra pochi giorni, mentre settimana prossima conosceremo la prossima vittima delle mie interviste! A presto!
-Erika

Però, imparare a scrivere una buona sinossi è un’abilità che cambia il modo in cui guardiamo il nostro romanzo. Serve agli editori e agli agenti, ma serve soprattutto a noi: per capire la struttura reale del libro, per vedere dove inciampa, dove accelera troppo e dove si perde.

Cos’è una sinossi (e cosa non sarà mai)

Partiamo dalle basi: la sinossi non è una quarta di copertina.
Non deve incuriosire: deve spiegare e illustrare il manoscritto. Non dev’essere il posto in cui nascondere i colpi di scena (quella è la quarta!).
Chi la legge deve sapere tutto: chi è il protagonista, qual è il suo obiettivo, cosa gli impedisce di ottenerlo e come va a finire.

Pensa alla sinossi come alla versione “radiografata” del tuo romanzo. Senza stile, senza effetti speciali, ma con tutte le ossa al loro posto.

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Le regole d’oro

Qui ci sono alcuni principi che, negli anni, chiunque abbia provato a scrivere una sinossi ha scoperto sulla propria pelle:
1. Chiarezza prima di tutto.
Niente misteri e niente giri di parole. Se succede un evento, va detto. Se un personaggio muore, va detto. Se c’è un tradimento, va detto.
2. Una o due pagine sono sufficienti.
Può sembrare poco, ma è lo standard editoriale. Impone sintesi, e la sintesi è un ottimo test di coerenza narrativa.
3. Protagonista + obiettivo + ostacoli + conflitto centrale + finale.
La formula non è romantica, ma funziona sempre. Se manca uno di questi cinque elementi, c’è un problema da qualche parte.
4. Stile neutro e personale allo stesso tempo
Il tono deve essere controllato, professionale, diretto. Non è un estratto del romanzo: è un documento tecnico.
5. Terza persona, tempo presente.
È la scelta più chiara e più usata nel settore. Nel caso del mio manoscritto sarebbe qualcosa tipo:
“Aine scopre che Locran…”, non “Aine scoprì che…”/“Io scoprii che…”.

Una struttura che funziona sempre

Se non sai da dove partire, questo mini-template rende tutto più semplice:

1. Setup – Presenta il protagonista e il mondo iniziale.

2. Incidente scatenante – Mostra l’evento che manda tutto fuori equilibrio.

3. Sviluppo – Riassumi le principali complicazioni e le svolte narrative.

4. Climax – Indica il momento più alto di tensione.

5. Risoluzione – Spiega chiaramente come finisce la storia.
   È una struttura flessibile, ma già così ti permette di organizzare il materiale senza perdersi.

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Gli errori che fanno tutti (almeno una volta)

• Essere vaghi per paura di spoilerare. Spoilerare è il tuo dovere. Se non racconti la storia fino alla fine, la sinossi non vale niente.
• Riassumere tutto scena per scena. La sinossi non è la scaletta. Devi scegliere gli snodi, non elencare ogni dettaglio.
• Parlare solo di temi e significati. I temi sono importanti, ma senza la trama non si capisce nulla. Prima la storia, poi ciò che significa.
• Usare un tono troppo letterario. La sinossi non serve a mostrare quanto scrivi bene, ma quanto hai costruito bene.
• Nascondere il finale. Se lo fai, l’editor penserà che non sai come finisce il tuo romanzo. Non è un buon punto di partenza.

La mia esperienza personale

Quando leggerete questa newsletter avrò praticamente finito la stesura de Il colore del Mare del Nord. Ad oggi mi mancano tre capitoli e sto pensando a come dovrò scrivere la sinossi.
Sono un po’ preoccupata perché non ne ho mai scritta una, eppure so che sono la persona più qualificata per farlo. D’altronde chi conosce il manoscritto meglio di chi lo scrive?
Eppure, quando arriverà quel momento, sarò la persona più felice del mondo. Vuol dire mettere finalmente un punto, una fine al cerchio. Manca poco e potrò sperare che qualche casa editrice veda il valore de Il colore del Mare del Nord. Ma prima, devo scrivere una buona sinossi.

Conclusione

La sinossi è un alleato nascosto e serve per capire meglio il tuo romanzo quando sei troppo coinvolta per vederlo lucidamente.
Provateci, anche solo con lo schema che c’è in alto, e vediamo cosa vi esce!
Se vuoi, mandami la tua sinossi: posso darti un feedback.

-Erika

Con il tempo ho scoperto che quel ritmo non era casuale. È il cuore della narrazione classica: il modello dei tre atti.
Oggi voglio parlarne in modo semplice, non come una formula rigida ma come una bussola narrativa, quella che aiuta a capire dove una storia nasce, si spezza e dove finalmente respira.

Da Aristotele a Syd Field

Già Aristotele, nella Poetica, parlava di ogni storia come di un organismo completo: inizio, mezzo e fine.
Secoli dopo, Syd Field, sceneggiatore e teorico del cinema, riprese quell’idea e la trasformò nel modello moderno dei Tre Atti, che oggi è la base di quasi tutte le sceneggiature e di moltissimi romanzi.

In breve:

• Atto I → Introduzione: il mondo viene presentato e l’equilibrio iniziale si rompe.

• Atto II → Conflitto: il protagonista affronta ostacoli, prove, cambiamenti.

• Atto III → Risoluzione: tutto ciò che è stato seminato trova la sua conclusione.

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L’Atto I – La promessa della storia

L’inizio è dove tutto prende forma: conosciamo il protagonista, il suo mondo e il suo desiderio. Poi arriva l’incidente scatenante: qualcosa che rompe la normalità e costringe il personaggio a muoversi.

È anche il momento in cui il lettore decide se fidarsi o meno della storia.
La promessa dovrebbe essere qualcosa simile a “seguimi, ti porterò da qualche parte”.
E deve essere chiara, credibile e viva.

Basta pensare a esempi storici quali:

• Harry Potter riceve la lettera di Hogwarts.

• Up fa volare una casa pur di mantenere una promessa.

O se vogliamo anche banalmente Caraval o Acotar funzionano in modo simile. Il primo atto non deve raccontare tutto, ma deve farci pensare voglio sapere cosa succede dopo.

L’Atto II – Il cuore pulsante del conflitto

Il secondo atto è il più lungo, spesso il più difficile da scrivere. È la parte in cui la storia si sporca, il protagonista sbaglia, il mondo reagisce.

Qui entrano in gioco:

• I conflitti interni ed esterni;

• Le relazioni che cambiano;

• Il midpoint, un evento centrale che ribalta la prospettiva.

È il momento in cui il personaggio capisce che non si torna più indietro.
È anche dove si misura la resistenza emotiva della storia: se l’Atto I accende la miccia, l’Atto II è l’esplosione controllata.

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L’Atto III – Il ritorno all’equilibrio

L’ultimo atto è la ricompensa del viaggio.
Tutto ciò che è stato promesso deve trovare compimento: conflitti, relazioni, crescita.
Non sempre la fine è “felice”, ma deve essere coerente con la traiettoria emotiva del protagonista.

Due momenti chiave:

• Il climax: la scelta definitiva del personaggio.

• La risoluzione: la conseguenza di quella scelta.

Pensa a Inside Out: Joy scopre che anche la tristezza ha un ruolo. Il cambiamento è interiore prima che esterno. Un buon terzo atto chiude un cerchio emotivo.

Come ha cambiato il mio modo di scrivere

Personalmente io utilizzo questo modello da davvero tanti anni. Ho iniziato a scrivere nel 2018 e ne ho sempre fatto uso. Non è una regola fissa e non deve essere interpretata come tale, ma può dare forma e ritmo al manoscritto. Quando ho iniziato Il Colore del Mare del Nord avevo delle idee e già quando le abbozzavo le dividevo in parti.

In generale penso di rispettare la struttura classica, nonostante devo fare la precisazione che non scrivo in ordine cronologico e, di conseguenza, può generare un po’ di confusione.

Ciò che conta di più secondo me è imparare, in questo caso il modello dei tre atti, ed essere in grado di farlo proprio. Non è utile saper seguire le regole, ma lo è conoscerle per interpretarle a vostro favore.

Conclusione

Il modello dei tre atti non è una gabbia, ma una mappa.
Ti mostra dove si trova il cuore della tua storia, ma non ti dice come farlo battere.
È uno scheletro che chiede di essere riempito con carne, emozioni e contraddizioni.

Conoscere la struttura serve a liberarsene.
E forse è proprio lì che comincia la vera scrittura: quando il ritmo invisibile dei tre atti diventa il battito naturale della tua voce.

E tu? Riesci a riconoscere i tre atti nelle storie che ami o in quello che stai scrivendo?
Mi piacerebbe leggere la tua esperienza: rispondi a questa mail o lascia un commento alla puntata.

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Ogni storia respira in tre tempi: nasce, si complica, si compie.
Sta a noi, scrittori, ascoltarla con attenzione.

-Erika

Quando pensiamo al fantasy, è facile immaginare draghi, spade e profezie. Ma il genere è molto più ampio di così: è un linguaggio, un modo di parlare del reale attraverso il meraviglioso. Quante volte si sente parlare di come questo genere in realtà possa essere utile come denuncia?

Parlare di sottogeneri fantasy non serve solo a catalogare libri, ma a capire che tipo di mondo vogliamo creare, o abitare, come lettori e autori. Ci è utile per lo scheletro del romanzo e per poter far capire agli altri cosa vogliamo comunicare.

Il fantasy come specchio del reale

Come dicevo prima, dalle mitologie antiche alle serie TV moderne, il fantasy è sempre stato uno specchio del nostro tempo. Tolkien ha dato forma alla mitologia moderna; negli anni ’80 il genere si è aperto all’avventura e all’eroismo; oggi, invece, il confine con altri generi è sempre più comune. Fantascienza, horror, realismo magico.

Personalmente parlando, tutto ciò che è un esperimento e le zone di confine che coprono due o più generi, se fatte bene, le reputo le migliori possibili. Diventa più facile rompere gli schemi e le regole e rende la lettura più interessante e meno scontata.

Cosa rende un romanzo “fantasy”

Non basta la magia per definire il genere.

Il fantasy costruisce un mondo secondario (che sia un regno medievale inventato o il mondo moderno ma alternativo), si nutre di mito e simbolismo, e ci invita a sospendere l’incredulità per credere, almeno per qualche pagina, che un’altra realtà sia possibile.

I confini con altri generi restano sfumati: il low fantasy tocca il realismo, lo urban convive con la contemporaneità, mentre certe saghe post-apocalittiche usano la fantascienza.

E poi c’è la percezione moderna. In libreria, il fantasy è ancora un’etichetta di marketing, ma online e tra i lettori le definizioni sono sempre più fluide.

I principali sottogeneri fantasy

Ogni sottogenere è un modo diverso di immaginare.

• High Fantasy / Epic Fantasy: mondi interamente altri, battaglie epiche e destini intrecciati (Il Signore degli Anelli, The Wheel of Time);

• Low Fantasy: la magia è rara o nascosta nel nostro mondo (Game of Thrones, American Gods);

• Urban Fantasy: le strade delle città nascondono portali e stregoni (Neverwhere, Shadowhunters);

• Dark Fantasy: luce e oscurità convivono, la moralità è ambigua (Berserk, The Witcher);

• Historical Fantasy: la storia incontra la magia (Jonathan Strange & Mr Norrell);

• Mythic / Fairytale Fantasy: fiabe e leggende rivisitate (La figlia della foresta, The Bear and the Nightingale);

• Portal Fantasy: viaggi tra mondi e ritorni impossibili (Le cronache di Narnia, Alice nel Paese delle Meraviglie);

• Science Fantasy: tecnologia e magia si confondono (Star Wars, Mistborn);

• Grimdark Fantasy: realismo crudo, anti-eroi e disincanto (Joe Abercrombie).

Gran parte dei libri citati qui in realtà non li ho neanche mai sentiti, ma ammetto che Google ha fatto il suo dovere.

I sottogeneri meno noti

Ci sono poi le nicchie più curiose: la Gaslamp Fantasy, che mescola magia e estetica vittoriana; la Silkpunk, che fonde mitologie asiatiche e tecnologia organica; la Flintlock, dove moschetti e stregoneria convivono; la Cozy Fantasy, dove la magia serve a guarire e non a distruggere.

E infine la Weird Fantasy, dove il mondo sembra sbagliato, ma proprio per questo vero.

Questi sottogeneri vivono di contaminazione: nascono quando le etichette non bastano più (e quindi se ne creano di nuove). Esistono poi sottogeneri simili, mischiati ad altri, ma un po’ più conosciuti. Si pensi ad esempio ai Romantasy.

Perché scegliere (o mescolare) un sottogenere

Capire dove si colloca la propria storia non è un esercizio teorico, ma un modo per dare direzione e tono. Non serve esclusivamente per dare un nome a ciò che scriviamo, ma anche a creare struttura e per adattarsi al meglio alle regole del genere/sottogenere. Ad esempio, se scrivo uno science fantasy non posso omettere la parte “science”: è una regola non scritta.

Il sottogenere aiuta chi scrive a trovare la propria voce, e chi legge a capire cosa aspettarsi.

Eppure oggi i confini servono forse più a chi vende che a chi crea: i lettori non cercano più solo “fantasy”, ma emozioni, temi e atmosfere. Il genere però è vivo proprio perché muta, perché osa mescolare.

Che tipo di magia scrivere (o cercare)?

Forse il modo migliore per capire il fantasy non è chiederci che tipo di storie scrivere, ma che tipo di magia mi serve adesso. Quella che consola, che sfida, che ricostruisce o distrugge? Ognuno di noi ha la propria ed è necessario cercare prima di iniziare a scrivere, altrimenti si rischia di iniziare con un sottogenere e finire con un altro (poi essere obbligati a scegliere e dover modificare mezzo romanzo).

E voi? Siete più una Lenora o una Elisabetta Ricciuti? Che tipo di magia cerchi nelle storie che ami o che scrivi? Raccontamelo rispondendo a questa mail, o scrivimi il titolo del tuo sottogenere del cuore.
Noi invece ci scriviamo nei prossimi giorni. Se avete richieste su altri generi o al contrario vorreste tutt’altro argomento, mandatemi un messaggio qui o su instagram e ne parliamo!

-Erika

E conoscere i generi è utile:

• ai lettori, per scegliere consapevolmente cosa leggere (o cosa evitare);

• agli scrittori, per capire a chi stanno parlando e quali corde stanno toccando.

Ma attenzione: i confini tra un genere e l’altro non sono mai netti. Ci sono autori che li attraversano con naturalezza, e storie che ne contengono più di uno senza decidersi mai del tutto. Ed è proprio lì, negli interstizi, che nascono i libri più interessanti.

Per uno scrittore è importante conoscerli per essere in grado di infrangere le regole con coscienza. I libri che funzionano sono quelli fuori dagli schemi ma sono anche quelli che escono dai binari con testa. Non possiamo unire generi a caso senza una logica, ed è importante saper equilibrare le cose!

Cos’è davvero un “genere di romanzo”

Un genere è un insieme di aspettative condivise: tra chi scrive e chi legge c’è un patto silenzioso.
Quando apri un giallo, ti aspetti un mistero.
Quando leggi un romanzo rosa, vuoi emozione e intimità. Ti aspetti il romanticismo.
Quando scegli un fantasy, cerchi mondi nuovi.

Ogni genere ha i suoi temi ricorrenti, un tono narrativo, un certo ritmo e un pubblico di riferimento.
E poi ci sono i sottogeneri… varianti e contaminazioni che rendono tutto più vivo. Ma di questo ne parleremo in altre puntate di Tips d’Autore.

Una panoramica dei principali generi

Romanzo storico - Ambientazione nel passato, attenzione ai dettagli d’epoca;
Mischia fatti reali e finzione; il passato è “vissuto” e non solo raccontato.

Giallo / thriller / mistery - Crimine o segreto da svelare; tensione crescente
Soluzione o colpo di scena; indizi e depistaggi.

Fantascienza / distopia - Tecnologia, futuri alternativi, riflessioni sociali
Speculazione sul “what if”; critica culturale.

Fantasy - Magia, mondi immaginari, elementi soprannaturali
Worldbuilding, lotta tra bene e male, epica.

Romanzo rosa (romance) - Amore e relazioni come centro della trama
Conflitti emotivi, lieto fine o catarsi.

Romanzo di formazione - Crescita interiore e passaggio all’età adulta
Scoperta di sé attraverso le prove della vita

Romanzo psicologico / intimista - Focus sull’interiorità e la mente
Flusso di coscienza, introspezione profonda

Horror / gotico - Paura, oscurità, sovrannaturale
Atmosfera cupa, tensione, il perturbante

Avventura / azione - Viaggi, sfide, movimento costante
Ritmo sostenuto, protagonisti in lotta

Narrativa contemporanea / sociale
Temi attuali e quotidianiRealismo, introspezione, impatto socialeSally Rooney; autori di narrativa realista

I generi, in fondo, sono modi diversi di guardare il mondo.
Il fantasy lo reinventa.
Il giallo lo smonta.
Il romanzo psicologico lo interroga.
E la narrativa contemporanea cerca di capirlo.

Se ti interessano i discorsi letterari, condividi o iscriviti alla newsletter! Non è a pagamento e giuro di essere interessante, almeno un po’.

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Quando i generi si mischiano

Come ho anticipato prima, al giorno d’oggi quasi nessuna storia resta “pura”.
Nascono i ibridi: romantasy, thriller psicologico, historical fantasy… e spesso l’etichetta non basta più.

A volte il marketing editoriale semplifica (o forza) la definizione per renderla più “vendibile”.
Ma nella scrittura vera, le contaminazioni sono la norma: la vita non ha un solo tono, e nemmeno la narrativa dovrebbe averlo.

Perché leggere fuori dal proprio genere abituale

Leggere generi diversi è come cambiare prospettiva.
Un horror insegna l’empatia: ti obbliga a entrare nella paura di qualcun altro.
Un romance ti parla di desiderio e vulnerabilità.
Un fantasy ti ricorda quanto è potente immaginare qualcosa di diverso dal mondo in cui vivi.

Ogni genere allena una parte diversa della sensibilità.
E se scrivi, leggere fuori dal tuo campo è il modo migliore per scoprire nuove voci, strutture e ritmi narrativi.
(Per esempio, una volta che leggi un buon giallo, inizi a capire quanto conti il tempo e la tensione anche in un romanzo introspettivo.)

Consigli pratici per esplorare nuovi generi

1. Parti dall’emozione che cerchi.
Vuoi brividi, conforto o evasione? Ogni genere ha una risposta emotiva.

2. Prova qualcosa di nuovo.
Ecco qualche titolo per iniziare:

• Storico: Guerra e pace (Lev Tolstoj)

• Giallo: Dieci piccoli indiani (Christie).

• Fantascienza: 1984 (George Orwell). Anche se lo inserirei più nei romanzi distopici…

• Fantasy: il Signore degli Anelli (Tolkien)

• Formazione: Norwegian Wood (Murakami).

• Psicologico: Una stanza piena di gente (Daniel Keyes).

• Rosa: Le ho mai raccontato del Vento del Nord? (Daniel Glattauer)

3. Mescola le carte.
Leggi due generi diversi nello stesso mese.
Annota cosa cambia nel ritmo, nella voce, nella sensazione che ti lascia.

Oltre il genere: ritmo, struttura e percezione

Ogni genere influenza come viene raccontata una storia:

• un thriller usa frasi brevi e capitoli che finiscono con domande;

• un romanzo psicologico rallenta, riflette, si chiude su se stesso;

• un romanzo di avventura ha un ritmo visivo, pieno di verbi d’azione.

E c’è anche la percezione culturale: alcuni generi (come il romance o il fantasy) vengono ancora considerati “meno seri”, anche se vendono milioni di copie e hanno un enorme potere di diffusione.
Forse perché parlano di emozioni universali con linguaggi diversi — e questo, a volte, fa paura a chi crede che solo la complessità renda un libro “importante”.

Qual è il genere che ami di più, e quale vorresti provare a leggere (o scrivere) per la prima volta?
Rispondimi pure a questa newsletter, mi piacerebbe raccogliere le vostre risposte e parlarne nel prossimo episodio — dedicato proprio a uno dei generi più amati (e fraintesi): il fantasy.

Qui trovate un link della Oregon State University con approfondimenti in inglese sull’argomento.

Se vi è interessato un po’ il mio monologo e le mie riflessioni continuate a seguirmi! Noi ci vediamo domenica con 5 giorni per scrivere o tra due settimane col genere fantasy! A presto!!

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Ti siedi al computer, rileggi, riscrivi. Ti convinci che “manca qualcosa”, che non è ancora il momento.

In realtà, lo è. Solo che finire un romanzo significa anche lasciarlo andare. E questo, a volte, fa paura.

Gli ostacoli potrebbero essere:

• la stanchezza dopo mesi di scrittura;

• un nodo narrativo che non si scioglie;

• l’insicurezza di non essere “abbastanza bravi”;

• la paura di dire addio a ciò a cui hai lavorato tanto;

• le distrazioni, soprattutto quando la motivazione inizia a cedere.

Nessuno finisce un romanzo per ispirazione. Lo si finisce per disciplina, ostinazione, e un po’ di amore testardo.

Strategie pratiche per arrivarci

1. Stabilire una routine. Non serve scrivere tanto, serve scrivere spesso. Anche venti minuti al giorno bastano a non perdere il filo.

2. Definire obiettivi concreti. “Entro il 30 ottobre finisco la prima bozza.” Sembra banale, ma una scadenza rende la scrittura reale.

3. Immaginare il finale. Anche solo a grandi linee: sapere dove stai andando ti evita di girare in tondo.

4. Lasciare “segnaposti”. Se un passaggio ti blocca, scrivi “da completare” e vai avanti. A volte la soluzione arriva solo dopo.

5. Cercare feedback. Un gruppo di scrittura o i beta reader possono ricordarti perché hai iniziato a raccontare quella storia.

6. Accettare il “draft sbagliato”. La prima versione sarà imperfetta, e va bene così. Il problema non è scrivere male, ma non scrivere.

7. Fare pause strategiche. Non serve forzare le idee: a volte si sbloccano proprio quando smetti di cercarle. Però non lasciare il manoscritto fermo fino a fargli fare la muffa.

8. Festeggiare i progressi. Ogni capitolo chiuso è un piccolo traguardo. Può motivare saperlo.

9. Scrivere anche poco ma spesso. Elisabetta Ricciuti una volta mi ha detto “Con poche righe al giorno un libro lo finisci. Prima o poi”. Ed è vero.

Tipologie di finali

- Risolutivo: chiude tutto, lascia il lettore con un senso di completezza.

- Ambiguo: apre domande, lascia spazio alla riflessione.

- A sorpresa: cambia prospettiva, ma solo se la sorpresa è coerente.

- Circolare: richiama l’inizio, chiude un simbolo o un tema.

- Aperto: lascia spiragli per il futuro, ma non abbandona il lettore a metà.

Un buon finale non deve per forza sorprendere. Serve solo per concludere il cerchio. Risolvere eventuali nodi e rispondere ai dubbi del lettore.

Deve farti pensare: non poteva finire in altro modo.

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Errori da evitare

1. Risolvere tutto in due paragrafi.

2. Spiegare troppo (fidati del lettore).

3. Scegliere la prima idea solo perché “funziona”.

4. Far crollare la tensione proprio sul più bello.

L’importante è ricordare che il finale non è un riassunto.

Il libro è un patto col lettore. Lui leggere quello che hai da dire, ma tu devi saperlo catturare. E soprattutto devi finire la bozza.

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E tu? In che punto del tuo romanzo ti sei bloccato? Perché? Rispondi a questa newsletter con la tua esperienza.

Se scrivete racconti, vi sarà capitato di trovarvi davanti ad una scelta: prologo o no prologo?
L'inizio di un romanzo dipende da molti fattori. Ma, prima di guardarli nel dettaglio, facciamo un passo indietro. Cosa cambia tra prologo, prefazione e inizio vero e proprio?

• Prologo: fa parte della narrazione, aggiunge contesto e di solito è ambientato in un tempo diverso (precedente o successivo) alla storia principale;

• Prefazione: non fa parte della trama è un testo introduttivo che l'autore o qualcun altro, ad esempio traduttori e storici, scrivono per spiegare motivazioni, ringraziamento o contesto storico;

• Inizio vero e proprio del romanzo (incipit): l'attacco vero e proprio della storia. La prima scena o la prima frase che cattura il lettore.

È importante sapere che l'inizio e il prologo sono un vero e proprio patto con il lettore. È come dire "io ti incuriosisco, tu in cambio leggi quello che ho da dire". E dev'essere così. Ma a cosa serve esattamente questa parte di romanzo?

Serve a catturare l'attenzione, come abbiamo appena detto, a stabilire tono, voce e ritmo, in modo che il lettore capisca il vostro stile, dare un primo indizio di ambientazione e personaggi e aprire un interrogazione che invogli a proseguire.

Incipit esistenti

Ma quindi quali incipit esistono?

Descrittivo

Si apre il romanzo con un paesaggio, un dettaglio visivo.

L'appartamento all'undicesimo piano aveva solo un armadio, ma c'era una porta scorrevole che affacciava su un balconcino dal quale poteva vedere un uomo seduto di fronte, all'esterno, in maglietta e pantaloncini anche se era ottobre, che fumava. Willem sollevò una mano a mo' di saluto, ma l'uomo non rispose.
- Hanya Yanagihara, Una vita come tante

In medias res

Il lettore entra direttamente in un’azione già in corso.

Vorrei disdire il mio abbonamento. Mi dite, per favore, se questa è la procedura giusta?
- Daniel Glattauer, Le ho mai raccontato del vento del Nord

Riflessivo

Il narratore espone un pensiero, una massima o un dubbio esistenziale.

Questa aurea massima ci giunge da Polonio, il ciambellano nell'Amleto, ed è per noi preziosa in quanto è proprio perché rimane fedele a se stesso che egli giunge a farsi ammazzare da Amleto "come un topo", dietro una tenda. In Danimarca, evidentemente, l'aurea massima dell'origliatore non si era ancora diffusa.
- Paul Watzlawick, Istruzioni per essere infelici

Passato remoto

Apertura con il ricordo di eventi già conclusi

Avevo trentasette anni, ed ero seduto a bordo di un Boeing 747.
- Murakami Haruki, Norwegian Wood

Dialogico

Parte con le parole dei personaggi.

«Hanno trovato Finley, questa sera, appena fuori dalla Foresta di Sangue. Morto.»
- Jennifer L. Armentrout, Sangue e Cenere

Shock / sorpresa

Iniziamo con una frase spiazzante che incuriosisce.

Quando Gregor Samsa una mattina nel suo letto si svegliò da sogni inquieti, si ritrovò trasformato in un immane insetto.
- Franz Kafka, La metamorfosi

Come scegliere l'inizio giusto?

Dipende. Non c'è una risposta facile a questo dubbio.

Il genere sicuramente fa la differenza: un giallo può aver senso scriverlo in media res, un romanzo invece più narrativo potrebbe avere un incipit riflessivo o descrittivo.
Ma può cambiare anche a seconda della voce narrativa, quindi in base al suo carattere.
O ancora dall'effetto che vogliamo ottenere: stupore, curiosità, atmosfera.

Per capire qual è la scelta migliore si possono fare delle prove: scrivere le tipologie su cui si è indecisi e chiedersi quale sembra incuriosire di più o quale sembra il migliore per il romanzo in questione.

Ricapitolando tutto il monologo di oggi, l'inizio è un patto con il lettore ed è il metodo più semplice per promettergli il vostro stile, la continuità nel ritmo e il tono con cui scrivete.

A me piace iniziare qualcosa con delle riflessioni, dubbi esistenziali o ancora citazioni che possano dare uno spunto al lettore. E voi invece? Quale incipit vi ha colpito di più?

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Se vi va, rispondete a questa mail con la vostra frase d’inizio preferita o con un incipit che avete scritto voi.
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-Erika

Dire al lettore che un personaggio è “energico e pieno di vita” funziona, ma lo rende piatto. Mostrare invece i suoi gesti lo rende reale:

“Gli tremavano le gambe dall’eccitazione e non riusciva a stare fermo per l’adrenalina.”

Noti la differenza? Non lo dichiariamo: lo vediamo.

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Lo stesso vale per altri aspetti: un personaggio triste non va definito tale, ma fatto percepire — “stringeva la tazza tra le mani, fissando il vuoto senza toccare il caffè ormai freddo.”

Il problema delle descrizioni vuote riguarda molti scrittori, ma non è solo una questione di mostrare, non dire. A volte scriviamo troppo (ripetizioni, elenchi di caratteristiche), altre volte troppo poco, dando per scontati dettagli che invece servono al lettore.

Ecco perché non basta sapere quando mostrare: serve capire anche cosa mostrare. Se un’informazione è davvero importante, vale la pena inserirla nel momento giusto, senza bruciarla prima o affogarla in un paragrafo pieno di dati.

Scrivere non è riversare informazioni, ma scegliere il dettaglio giusto, al momento giusto.

E questo dettaglio, se ben mostrato, può illuminare un personaggio meglio di cento aggettivi.

Ora tocca a te: prova a trasformare una tua frase da tell a show. Se vuoi, puoi rispondermi a questa newsletter con la tua versione: sarò felice di leggerla.

Se questo consiglio ti è stato utile, non dimenticarti di iscriverti alla newsletter The Draft e di condividerla con qualcuno a cui potrebbe servire!

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